Blur en Chile: más vale tarde que nunca

Esperar 20 años transforma un concierto en algo más importante que eso. Es cierto que ver a una banda en su "mejor momento" es inmejorable, pero que finalmente lleguen con toda una gran historia que ha logrado estar presente en toda la nuestra se hace inolvidable. Cierra etapas, aunque suene exagerado.

"Girls & Boys" sonaba hasta el aburrimiento en 1994, pero desde antes Albarn, Coxon, James y Rowntree ya se encargaban de demostrar que ser irónicamente entretenidos era sólo un matiz en su propuesta y que la categoría de "britpop" poca justicia les hacía. Eso fue lo que ocurrió ayer en la - poco amigable - Pista Atlética del Estadio Nacional. Un recorrido que a medida que avanzaba nos hacía rejuvenecer.

Nunca se quedaron tranquilos y los cambios en sus siete discos marcaron una diferencia que también se hizo presente al verlos en acción. En "There's No Other Way", "Popscene", "Country House", "Coffe and TV" y "Song 2" entregaron altas dosis de energía y llevaron a que el karaoke masivo estuviera a la altura de una primera vez, pero con "This Is a Low", "End of a Century", "To The End", "Caramel", "Trim Trabb", "Beetlebum" y "Out of Time" dieron cuenta de que su entramado sonoro está formado por muchas otras capas, como años vamos sumando.

Voz, guitarra, batería, bajo y teclado iban desde cuidados arreglos hasta salvajes distorsiones, pero los cuatro amigos también hicieron aparecer de a poco un sinfín de detalles: desde el cartel que exigía la libertad de Frank Heweston (activista de Greenpeace detenido en Rusia), pasando por la publicitada presencia del actor Phil Daniels desatando la fiesta en "Parklife", hasta el conjunto de bronces que se lució en "The Universal" y los cuatro coristas que llegaron a su clímax en la inmensa "Tender". Pura emoción.

Oasis fueron los primeros en llegar, pero luego de ver a Pulp y Suede pareciera que Blur llegó a dar vuelta una página. ¿Fue corto? Sí. ¿Faltaron canciones? También. Pero fue perfecto, porque escuchar en vivo "Under the Westway" parece iniciar una nueva etapa y, aunque no hay planes de un nuevo disco, sería bueno seguir creciendo juntos.

Foto: Facebook Blur - Más videos Acá

The Killers para las masas...

Absolutamente opuestas fueron las presentaciones de The Killers el año 2007 (junto a Travis y Starsailor) y la de ayer en el Arena Movistar cerrando su paso por Latinoamérica. En su primera vez en Chile el grupo se mostró mecánico, casi como por cumplir... digamos, un poco fome sí. Ayer fue otra cosa. El recinto casi repleto (más de 12 mil personas) fue parte de un show efectivo que se disfrutó de principio a fin y que confirma su lugar entre los grupos cuyas presentaciones en vivo parecen la grabación de un perfecto DVD.

Con “¿Are we human or ar we dancers?” del hit radial “Human” dieron inicio a un recorrido de sus 4 discos, que incluyen Hot Fuss (2004), Sam’s Town (2006), Sawdust (2007) y Day & Age (2008). Un setlist new wave - pop - rock que tuvo sus desbordes de coros y saltos con “Somebody Told Me”, “Read My Mind”, “Mr. Brighside” y “When You Were Young”, pero que también incluyó su versión de “Shadowplay” de Joy Division, inluida en el soundtrack de la película "Control" (Anton Corbjn - 2007), y "Can't Help Falling In Love" de Elvis Presley.

Con ese arsenal apuntaron directo a un público que cayó rendido ante una producción - siete módulos de pantallas LED, palmeras en el escenario, una K gigante de luces, luvia de papel picado y cortina de fuego inluida - digna del grupo cuyo origen está en Las Vegas, Estados Unidos. Mega estrellas con un show a su medida y para el gusto del consumidor. Claro, ya no tocan "Glamorous Indie Rock & Roll" y subieron el escalón que los llevó a ser 100% una banda para corear en estadios.

Un show estudiado y perfeccionista, en donde Brandon Flowers (voz y teclado), Dave Keuning (guitarra), Mark Stoermer (bajo) y Ronnie Vannucci (batería), más tres músicos de apoyo, cumplieron con la frase que repitieron en todas las escalas de la gira: “Somos The Killers y está noche somos de ustedes”. Una hora y 40 minutos de música definitivamente hecha para las masas… y, lo mejor, sin culpas.

Nota 1: Buena idea comenzar el concierto a las 20:00 horas. Nota 2: Mejor obviar la división en tres de la cancha del Movistar Arena: Cancha Vip, cancha y "pista".

FNM: Reunited

El sonido se apagó abruptamente en "We Care a Lot", el pasado viernes 30 de noviembre en el impecable Estadio Bicentenario de la Florida. Mike Patton, Roddy Bottum, John Hudson, Mike Bordin y Billy Gould seguían en lo suyo mientras el show era filmado para Vía X, que por éstos días transmiten. Ni se dieron cuenta del corte mientras más de 20 mil asistentes gritaban a coro "Sonidista re culiaaaaaoooooooo".

El setlist casi terminaba y ni siquiera esa falla puede negar que el concierto de Faith No More en Chile fue lo mejor del ajetreado año musical en Santiago. Con la llegada de Mike Patton a fines de los ochenta, el grupo se transformó en una ecléctica mezcla de rock, metal, funk, experimentación y pop, sí canciones radiales/coreables, que estuvieron presentes desde las 21:50 horas en el recinto. Un retraso considerable, que se olvidó con la locura que comenzó desde los primeros acordes del cover “Reunited” (“Reunited and it feels so good, Reunited cause we understood").

Claro, este no fue uno de esos conciertos asépticos y matemáticamente pensados que dan la idea de estar viendo un DVD. Ésto fue "The Real Thing", como dice una de las canciones que no estuvo presente. Pasaron “From Out of Nowhere”, “Easy”, “Ashes to Ashes”, “Epic", “Last Cup of Sorrow”, “Stripsearch”, “Surprise! You’re Dread”, “Just a Man”, “Evidence” (ejem... en español) y “Pristina”, entre otras canciones que no dieron respiro a los que se repitieron el plato y a la mayoría (me incluyo) que no estuvo en su presentación el día anterior en el Teatro Caupolicán que la productora llamó “La Gala”… pffffff! 

Se deja pasar la reunión sin material nuevo, sólo el grandes éxitos llamado exageradamente “The Very Best Definitive Ultimate Greates Hits Collection” (2009), tampoco el culto al incombustible Mike Patton y menos el problema con los accesos del recinto. Lo importante fue el segundo día de esta visita llamada "The Second Coming Tour" fue show con inolvidables momentos como el “Frei No More…”, el “Sr. Pinochet it’s gonna hit you it’s always funny till’ someone gets hurt”, el close up del escupitajo en la cara de Patton en pantalla gigante, la chupalla, y la foto (la que acompaña esl texto) de nosotros, el público, en la web oficial del grupo. Insuperable, o como dijo Patton... "la raja!".

HumoNegro.com inicia campaña para que Faith No More termine su gira el 2010 en Chile! Aquí

El poder de Chan Marshall

Cat Power & Delta Dirty Blues Band. Así debió ser promocionado el concierto del pasado martes 21 de julio en el Teatro Caupolicán. Claro, parte de la consistencia de Chan Marshall en vivo se debe a su grupo formado por Erik Paparazzi en bajo, Gregg Foreman en teclados, la guitarra de Judah Bauer y la batería de Jim White. Ella lo sabía, y por eso se ocultaba de la luz y los aplaudía. Como si su voz no fuera la protagonista de la noche y no pesaran sus 8 discos en 14 años.

"Don’t Explain", interpretada antes por grandes como Nina Simone y Billie Holiday, comenzó el embrujo la noche más lluviosa de la semana. Siguió aplaudiendo a su banda y se apoderó de Janis Joplin al interpretar "Woman Left Lonely." Se escucharon "Lost Someone" (James Brown), "Fortunate Son" (Creedence), "Metal Heart" y "Sea of Love" (Phil Phillips), entre otras.

Hasta ese minuto una canción es de su autoría, porque la gira promociona el disco de covers Jukebox (2008) y algo de The Greatest (2006). La canción que da nombre a ese disco suena enorme y la mezcla con "Lived in Bars"… lo que no es menor. Y para seguir arriba canta "Blue" de Joni Mitchell y "Song to Bobby" de Bob Dylan para seguir con una casi irreconocible "Satisfaction" (la canción de Rolling Stones que está en su disco The Covers Records del 2000).

Después de su versión de "Rambli'n (Wo)Man" de Hank Williams, la pregunta fue ¿está cantando en español? Ehhhh, parece que ella creía que sí. Era "Angelitos Negros" (Andrés Eloy) en una versión oscura entre bolero y tango. Se despidió y podría no haber regresado. Hasta ahí ya era suficientemente largo, aunque faltó que agarrara una guitarra, se pusiera a tocar y se despeinara un poco, pero... Cat Power volvió al escenario con cuatro canciones más para finalizar lanzando rosas y setlist autografiados entre el público.

23 canciones y casi todas composiciones de otros, pero en las versiones profundas de Chan Marshall y su banda es legítimo preguntar ¿eran covers? Una noche de poderoso folk, soul y blues...

Fotos del concierto en el Flickr de Potq.cl Videos en Cristal en Vivo

Foto: Matador Records

La oscuridad de The Gutter Twins

Tres sillas, un teclado, una armónica y un par de guitarras, dispuestas en un pequeño espacio poco iluminado en el escenario del Teatro Oriente, fue lo suficiente para recibir el sábado 4 de julio a The Gutter Twins, un proyecto musical con poca vida pero integrado por dos músicos que ya han pasado por muchas: Greg Dulli (The Afghan Whings) y Mark Lanegan, y que han editado un Ep llamado "Adorata" (2008) y el disco "Saturnalia" (SubPop 2008).

Carreras inagotables que tienen a Lanegan como el foco de atención. Tocaba hace rato con Screaming Trees cuando fueron catalogados de grunge. Desde ahí fue parte del clásico "Above" (1995) de Mad Season y tuvo invitados como Kurt Cobain en sus trabajos en solitario. ¿Mucho? Falta. Pasó por Queens Of The Stone Age antes de editar dos grandes discos (Ballad of Broken Seas en el 2006 y Sunday at Devil Dirt en el 2008) y un Ep (Ramblin'Man - 2005) junto a Isobel Campbell ( ex Belle & Sebastian).

Por eso la inconfundible voz de Lanegan retumbó en la sala oscura del teatro santiaguino, mientras los fanáticos iban reaccionando de a poco con canciones en un formato acústico. Música que llenó con fuerza al teatro a mitad de su capacidad. Dave Rosser los acompañaba en una guitarra, pero Greg Dulli era el que hacia todo: se comunicó con la gente, cantó, pasó de la guitarra al teclado y la armónica, mientras que Lanegan marcaba el ritmo con su tatuada mano y cantaba profundamente mirando a la nada.

Serio, sin reaccionar ante un público que tuvo ganado antes de ocupar una silla de la que no se movió. Combinadas, estas dos personalidades hicieron que el escuchar canciones como The Body y Down The Line en clave folk/blues perverso se pareciera a un relato oscuro y melancólico en busca de la redención, como en las letras de sus canciones: el bien y el mal según The Gutter Twins.

Myspace Video de Idle Hands

Foto: Sam Holden

La geometría musical según Javier Barría

Al escuchar a Javier Barría, y conocer su historia, entran las ganas de tomar una guitarra y componer. Mejor, peor o igual, da lo mismo, pero hacerlo. Títulos como “Corte Cuerda” (Ciudadano B – 2007) o “Envases” (Ep Abandonos – 2008) son un ejemplo de eso, como también algunas que son parte de su nuevo disco “Introducción a la Geometría” (Infanta Terrible – 2009).

Música independiente, sin pretensiones ni cargas de géneros musicales y sin miedo al pop guitarrero. Sus canciones perfectamente podrían sonar en radios hipster, pop, románticas, de música chilena y hasta los programas más indie. Bien transversal, pero hasta ahora no ha sonado mucho en ellas.

Y eso que son más de 10 discos - aunque diga que con este son 5 - los que se cuentan hasta hoy. Algunos los vende en sus tocatas y otros están disponibles para bajar en Internet, porque ese es el ambiente natural de Barría: tocar unas 4 veces al mes y las plataformas de la web, como Lastfm, facebook, podomatic, twitter, blogspot y myspace. Por algo se repite la definición de “cantautor Wi-Fi”. Té, Foto Movida, La Misma Madera, Venditas y Acantilado (con una gran sección instrumental) son buenas canciones de este nuevo trabajo.

Un disco con ritmo, con una guitarra en primer plano, una voz arrastrada, programaciones atractivas y letras que no pasan por el cliché. 11 tracks que hablan de dos grandes temas: el hastío urbano (“cambiamos aire en el pulmón, sin arder…”) y las relaciones (“sé que llegarás a enmudecer mi inquietud…”). Y se sienten las influencias de Barría, que mezcla a Espineta, Juana Molina y Jorge Drexler, se emparienta con la definición de cantautor al estilo de los argentinos Florencia Ruíz y Lisandro Astirimuño o, si se quiere, de los chilenos Natalia Molina y Diego Peralta. Esos que existen en Myspace y todavía no forman parte de la “generación folk”, como Nano Stern, Manuel García, Leo Quinteros, Chinoy, Camila Moreno y Gepe. Está como en el límite, lo que no es malo, para no repetir.

Hoy Barría ha crecido, dejó por un momento las grabaciones caseras y se encerró en un estudio profesional, pasó de autoeditar sus discos a hacerlo en un sello discográfico independiente y no hay vuelta atrás. “Los 18 que nunca regresan se vuelven 28…” dice en una de sus nuevas canciones, como un modo de sanar con los parches que forman un triángulo en la portada del disco. Barría madura su fórmula y esta introducción a su música es la mejor manera de conocerlo. Escucha el single, “Cortinas Naranjas”, en su Myspace.

Bajar “Ciudadano B” Aquí (autorizado por el autor)

“De alguna forma la cura está lejos de casa/De alguna forma te encontraré cuando regrese/Cada metro que me alejo es una espina/Que me recuerda que me acerco sin cuidado…” (Autopistas)

Fotografía: Pamela Albarracín

Sonic Youth: Tell me that you're burning…

No Wave, Noise o Rock Alternativo… dan lo mismo las palabras para describir a lo que hace Sonic Youth, sólo es posible asegurar que ha pasado el tiempo (unas tres décadas) y que el ruido sigue ahí. Una marca registrada que ensordeció a los más de 8 mil asistentes en el debut de los neoyorkinos en Chile, el domingo 19 de marzo en el Arena del Parque O’higgins, y que hizo volver a sentirnos como adolescentes impresionados por la música ¿o no?.

Una fecha que no se olvidará fácilmente. No, no, no. Muchos momentos para recordar: El duelo de guitarras, los bailes y las piernas de Kim, Thurston devorado por el público, las pausas y la distorsión que adornaron las casi dos horas en que hicieron olvidar todo pensamiento ajeno a lo que ocurría en ese lugar. 

Desde el inicio con “Teen Age Riot" hasta el final con “Expressway To Yr Skull”, Kim Gordon, Thurston Moore, Steve Shelley, Mark Ibold (Pavement) y Lee Ranaldo demostraron que esperar tiene buenas recompensas. “Incinerate”, “Kool Thing”, "Bull in the Heather”, “100%”, “Cross the Breeze”, “Schizophrenia”, “Shaking Hell”, “Jams Run Free” y muchas más. 

Canciones en que la experimentación con los instrumentos generaron momentos subversivos (tocando las guitarras con el arco de un violín, una lima de uñas, una barra metálica o una baqueta), como lo son los 16 discos que han editado, fuera de las modas, porque Sonic Youth siempre estuvo un paso adelante, del punk, del grunge o del hype del momento... Sólo queda esperar el nuevo disco,“The Eternal”, que estará disponible el próximo 9 de abril… y que regresen a dejarnos sordos, cuantas veces quieran.

Ojo... las fotos son de Paola Manfredi y su flickr está AQUÍ

Little Bit of Feel Good Goes a Long Way...

"Sex on Fire" fue el primer single de "Only by the Night", el cuarto disco de Kings of Leon con el que buscan tener éxito en su país de origen, Estados Unidos. En UK permanecieron en los charts con dos singles y donde Obama nada. La cancioncilla y el disco es el giebfavorito del año, aunque no estén en las listas de los entendidos, total esto es un blog y los gustos son personales... ya saben si fuera obtetivo sería un objeto. "You, your sex is on fire/Consumed with waht's to transpire/Hot as a fever, rattling bones/I Could just taste it, taste it/If it's not forever, if it's just tonight..." ¿onderito no? Muchos discos este año y para todos los gustos. Zooey Deschannel estrenará próximamente una película junto a Jim Carrey, pero el 2008 editó el disco "Volume One" junto a M. Ward. Todo bien, pero finalizó el año anunciando su compromiso con Ben Gibbard (Death Cab For Cutie) ¿No será todo muy indie?. En fin... Calla editó un tremendo disco que tiene el mismo nombre de uno malito de The Music, no confunda; Manuel García pintó todos los colores; los Weezer siguen siendo los mismos y se agradece; Isobel Campbell (Belle & Sebastian) volvió a hacer un disco de lujo junto a Mark Lanegan (Screaming Trees); los Supergrass tienen razón con eso de "Return of Inspiration"; Cristina Rosenvinge aparece a lo vírgenes suicidas en la carátula de su nuevo disco; Jamie Lidell, gafapasta y todo, sale a bailar; Ray LaMontagne sí que sabe lo que hace; The Walkmen se alejaron para volver sin la presión de la "generación algo"; Beth Gibbons y compañia se olvidaron del trip hop; The Notwist ahhhhhhhhh; JJJ no necesitó bases electrónicas; Jolie Holland se las mandó y Congelador volvió.... ¿qué más?

She & Him – Volume One Calla – Strength in Numbers Manuel García – Témpera Weezer – Weezer (Red Album) Isobel Campbell & Mark Lanegan - The Sunday & Devil Dirt Supergrass – Diamond Hoo Ha Christina Rosenvinge – Tu Labio Superior Jamie Lidell – JIM Ray LaMontagne – Gossip in the Rain The Walkmen – You & Me Portishead – Third The Notwist – The Devil, You + Me Jay Jay Johanson – Self Portrait Jolie Holland – The Living and the Dead Congelador – Abrigo

Ryan Adams sigue su relación con The Cardinals y editaron "Cardinology", un disco con el que se extraña su fuerza interpretativa. Muchos dicen que está madurando, y algo de eso hay en "Fix it", una gran canción, de esas coreables y todo...

El señor Nacho Vegas terminó el año con un disco que avanza en su escepticismo crónico; The Killers se preguntaron lo mismo que se preguntó el escritor Hunter S. Thompson; Las taquillas zapatillas Converse hicieron bailar a todos; Vampire Weekend sorprendieron... Scarlett Johanson no tanto, pero usó a Bowie en los coros; Trent Reznor editó un disco que muchos dijeron era lo más malo de NIN (pfffff); Goldfrapp se dio cuenta que estaba sobremaquillandoSE y se fue al bosque; los "After Hours" no son tan malos con We Are Scientist; Luis Garrel ahora se cree cantante; Juana Molina se aleja cada día más de lo tradicional; MGMT entraron por cansancio; Why? aclaró algunas dudas; Bombyx Mori son unos grandes desconocidos fuera del ambiente indie chilensis y Martina Topley Bird, ahora sí que sí le dice chaito a Tricky...

Ryan Adams & The Cardinals – Fix It (Cardinology) Nacho Vegas – Dry Martini S.A. (El Manifiesto Desastre) The Killers – Human (Day & Age) Santogold, Julian Casablancas & Pharrel Williams – My Drive Thru Vampire Weekend - Mansard Roof (Vampire Weekend) Scarlett Johansson – Falling Down (Anywhere I Lay My Head) Nine Inch Nails – Lighs in the Sky (The Slip) Goldfrapp – A & E (Seventh Tree) We Are Scientist – After Hours (Brain Thrust Mastery) Louis Garrel – Les Yeux Au Ciel (Les Chanson D’amour -BSO) Juana Molina – Un Día (Un Día) MGMT – Electric Feel (Oracular Spectacular) Why? – The Hollows (Alopecia) Bombyx Mori – Alerce (El Desvelo) Martina Topley Bird – Carnies (Blue Good)

Joy Division dejó una marca en este humilde bloggero. Durante el 2008 pude visionar "Control", la película de Anton Corbijn (autor de la foto/carátula, original de la banda). También se editó el grandes éxitos, que incluye sesiones en vivo y, además, In-Edit estrenó el documental de Gran Gree. Los cinco elegidos del año son: Joy Division - The Best of... The Ganjas - This Is The Time (2002 - 2007) Ed Harcourt - Until Tomorrow Then The Cardigans - The Best of... Nacho Vegas - Canciones Inexplicables

Aunque tuvieron una acusación de plagio, los suecos The Hives demostraron por qué es bueno mezclar espectáculo con rock. Gritos, saltos y el público de Caupolicán arriba de la pelota. El show del 2008, definitivamente. Peeeero, el francés Benjamin Biolay demostró que se la puede con el piano, la trompeta, el hip hop y el rock; Mando Diao sólo necesitaron el escenario de Blondie para distorcionar sus guitarras; Interpol plasmaron su disco en vivo; The Jesus & Mary Chain estuvieron inolvidables y REM creyendo que Latinoamerica es un pueblo al sur de Estados Unidos; Manuel García incluyó la "terrible canción Nº1" en un concierto gigante; Madonna demostró que lo suyo es el espectáculo multitodo; los BRMC terminaron su tocata en la calle y Jarvis Cocker es un gafapasta de tomo y lomo...

The Hives (Teatro Caupolicán) Benjamin Biolay (Teatro Oriente) Mando Diao (Blondie) Interpol (Teatro Caupolicán) REM/The Jesus & Mary Chain/The Ganjas (Arena Movistar) Manuel García (Teatro Oriente) Madonna (Estadio Nacional) Black Rebel Motorcycle Club (Teatro Caupolicán) Jarvis Cocker (Teatro Caupolicán)

¿Usted está de acuerdo? ¿o no? ¿se pregunta donde está Teleradio Donoso? ¿Gepe? ¿Tío Lucho? ¿Porqué no fui a NIN? (no me lo recuerde... por favor) ¿y las películas? ¿los libros? Muchas autopreguntas. Por ahora la música, que sí hace sentir bien... si no me cree vea un video Aquí

El envoltorio del "Hard Candy"

Es obvio que lo extra musical siempre ha superado a Madonna. Más importante que sus canciones, es la ropa, su vida privada y la parafernalia. Pero es imposible ignorarla, es parte de una historia en donde triunfar es el fin. Y lo hace cada noche en que se presenta en vivo, porque “espectacular” fue la palabra más usada en los diarios (y escuchada en la radio/televisión), para definir su visita. Pero ¿fue tan así? Por momentos. Su show demostró que hace lo que quiere, como deconstruir a versiones metaleras canciones como “Borderline” o “Hung Up”, acelerar el beat al máximo en “Vogue” y “Like a Prayer”, o revisitar su imagen con cuatro bailarinas representando algunos de sus looks para asegurar que “She’s not me…”. Quiere ser popera, electrónica, rockera, clásica y hiphopera al mismo tiempo, y en ese querer no se le cree mucho, pero entretiene. “Sticky & Sweet” se llama el tour mundial que la trajo a Santiago, con un tracklist basado en su último y débil/fome disco “Hard Candy”. El tik tok tik tok tik tok ya molesta, igual que la sobre exposición en los medios. Páginas y páginas cada día sobre lo que hacía (y no hacía), incluidas las declaraciones del Cardenal medina, sobre la “lujuria loca” que representa. El mito sigue creciendo, pero no hay mucha espontaneidad (sólo el “soy muy caliente” del primer show, o la interacción con los vip en el ensayo del segundo). Hasta la petición del público y el canto a capella es un poco forzado. Un show calculador, efectivo en su forma y soprendente en lo visual, pero sin riesgo. Un reality DVD con Justin Timberlake, Pharrel Williams, Britney, Kanye West y Timbalad como amiguitos virtuales. Madonna sabe que no tiene mucha voz, pero demuestra seguridad al cantar y gritar, por eso el playback, cuando lo usa, aunque es demasiado evidente no importa mucho. También se cuelga una guitarra, a veces para nada, a veces para algo... bueno, en un minuto para algo parecido a una masturbación. Otra vez la lujuria. Que Dios nos perdone, pero era casi una obligación musical ver a la pecaminosa italo-norteamericana con nombre de santa. Los dibujos de Keith Haring y la visión kusturica fashion, incuida la tradicional "Lela Pala Tute” , la propaganda a Barack Obama y, por supuesto, el mensaje social con imágenes de niños muertos en África también estuvieron presentes… y refuerzan la idea de que Madonna nunca se enfocará en algo, sino que tratará de poseerlo todo, incluso su propia creación: ella.

Lea "Dos estadios en una semana" por Beatnick / "Broche de Oro" por Ferrari/ "Pegajosa" por Marisol García/ "Sorry Madonna" por Carreño

REM/Ganjas/TheJesus&MaryChain/OBAMA

fotografía: www.myspace.com/rem

Se entiende... Michael Stipe y compañía estaban nerviosos por las elecciones en Estados Unidos. Tocar "It's the end of the world as we know it (and I feel fine)" cuando era claro que Barack Obama se convertía en el primer presidente afroamericano del país de norte, fue una muestra del show político que mostraron en el Movistar Arena. En la web oficial del grupo hay una sección llamada "Santiago Watching" que da cuenta de eso. Inlcuidos los videos, chapitas y proclamaciones del "hombre bueno". Lo más impresionante fue la reacción de las 8 mil personas. Era como estar en la celebración norteamericana. Sí, sí, todo el mundo está feliz con el fin de la era Bush, pero lo de ayer me recordó la frase "Latinoamerica es un pueblo al sur de Estados Unidos". Bueno, del mundo. Es importante, pero hay otras cosas, como que los R.E.M. nunca habían tocado el día de las elecciones. Y sí que tocaron bien. Música política acorde al día, como "Ignoreland", pero también grandes títulos como "Losing My Religion", "Everybody Hurts" y "Man on the moon", además de "Supernatural Superserius" y otros de "Accelerate" (2008). Y antes también pasaron cosas importantes. El Noise, shoegaze y post punk... ejem, el ruido de The Jesus & Mary Chain fue el gran momento de la noche. "Just Like Honey", "Snakedriver" y "Head On" transmitieron todo lo que los escoceses no hacian en palabras y en saludos para la galería. Su separación fue hace una década pero que siguen haciendo historia. A esperar el disco de la reunión. Sin olvidar que la carta local del SUE 2008 fueron The Ganjas, una banda de un sello independiente que hace olvidar la crisis creativa de los populares grupos nacionales. Sólo hay que escuchar el compilado "This Is The Time" (2008). Pero, la verdad, más que música la segunda presentación de R.E.M. en Santiago fue sobre esperanza en la política, de un cambio y un sueño colectivo... esas ideas que siempre nos hacen soñar con un futuro mejor. La mismas que utilizan nuestros mandatarios (y candidatos) y luego olvidan. Es pura desconfianza y espero que esta vez no sea así. Go, Obama, go...

Un completo seguimiento de las elecciones gringas en Revelaciones Chúcaras

El mundo celebra a Obama... en fotos (Aquí) La redes sociales del nuevo presidente 2.0 (Aquí) Yes, we can... el video (Aquí)

Rock Burns Inside Me...

Una noche para recordar fue la del 03 de octubre. Por la música y por los extras. Los Black Rebel Motorcycle Club se presentaron en el Teatro Caupolicán ante unas 3500 personas. Nada de adornos, sólo una calabera en un fondo negro, guitarras, batería, bajo, humo, cerveza y la distorsión del rock ‘n’ roll (bueno, esa ES la definición de su propuesta). Independiente de que el sonido colapsara por momentos y que no todo el público estuviera en la misma sintonía. Muy largo para algunos, un regalo bien recibido para otros. Peter Hayes y Robert Levon Been fueron acompañados en esta gira por la baterista Leah Shapiro del grupo The Raveonettes, ya que Nick Jago se alejó de la banda (o lo alejaron por segunda vez, quién sabe). Un trío que hizo de las suyas con un set list que no buscó el aplauso fácil, pero que sí incluyó las taquilleras canciones “Love Burns”, “Weapon of Choice”, “Whatever Happened To My Rock ‘n’ Roll”, "Howl" y “Ain't No Easy Way”, entre otras. Otra cosa fue la “sección folk”, con pandero (lanzado al público después) y harmónica incluidas. “BRMC” (2001), “Take Them On, On Your Own” (2003), “Howl” (2005) y Baby 81” (2007) fueron visitados en las dos horas 15 minutos que estuvieron en el escenario, a puros riffs, shoegazing y rock. Quizás lo menos logrado fue la elección de Devil Presley como teloneros. Sonaron bien, correctos, rockeros, como dicta el manual... pero pocos los pescaron. Pero esa es la historia oficial. Después del show, y mientras muchos tomaban sus autos o caminaban hacia la Alameda, un pasado en alcohol Robert salía con una guitarra para sorpresa de quienes quedaban en San Diego. Se subió al techo de un auto para tocar “Sympathetic Noose” entre celulares con cámara, abrazos, gritos, autos y micros que pasaban fuera de ese mundo rockerito. Que su manager tenga que pagar el arreglo es otra cosa. Una fecha que queda inscrita entre lo notable ocurrido en Santiago, musicalmente hablando. Todo gracias a una banda que se aleja en cada disco del grupito encabezado por The Strokes y que se define en la tradición del rock y el folk. Especial para lo seguidores de The Jesus & Mary Chain, My Bloody Valentine, Spacemen 3 y Stone Roses. Como dijo alguien por ahí “Un show para fans no para indierockeros promedio”.

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PunkGarageRockPop Ritalín

Una fiesta de rock, eso entregaron los suecos The Hives en el Teatro Caupolicán la noche del 10 de septiembre. Un espectáculo que no necesitó de una gran escenografía ni una gran producción. Los cinco músicos oficiales (más uno extra) y un fondo negro era suficiente para que en casi una hora y media a los fanáticos, y los no tanto, hicieran suyo el “Your New Favourite Band” del disco recopilatorio con que se hicieron conocidos en Chile en 2002. En 2005, editaron un DVD llamado “Tussles in Brussels” (Universal) que los mostraba en vivo (y sí que daban ganas de estar ahí), y con el tiempo eran parte de las listas de críticos “especializados” sobre los conciertos imperdibles. Y aunque muchos dicen que sacan sus composiciones calcadas del manual rockero de los sesenta, lo hacen muy bien. Eso quedó demostrado en su paso por Chile. Comenzó a sonar “A Stroll Through Hive Manor Corridors” de su último disco, “The Black & White Album” (2007), y vestidos elegantemente de blanco y negro (y muy peinados) aparecieron sobre el escenario para pasearse por las contagiosas guitarras, baterias y gritos de “Die, All right!”, “Main Offender”, “Walk Idiot Walk”, “Two Time Touch and Broken Bones”, “You Got I All… Wrong” y “Tick Tick Boom”, entre muchas otras potentes canciones. Con algunos problemas de sonido, claro, y con la euforia del rock adolescente. Entre ellas, frases en español del vocalista “Howlin” Pelle Almqvist, histrionismo al máximo y un grupo de músicos aflatados - Nicholaus “Arson” Almqvist (guitarra), Mikael “Vigilante Carlstroem” Karlsson (guitarra), Mattias “Dr. Matt Destruction” Bernvall (bajo) y Christian “Chris Dangerous” Grahn (batería) - quienes lograron mantener las revoluciones al máximo y dejar a los tres mil quinientos asistentes (aproximadamente), con ganas de más. Que copien a The Sonics, AC/DC y a The Ramones ¿es malo? No creo. Por un rato es bueno olvidarse de bandas que se hacen las profundas y creen que pueden salvar el mundo cantando una canción. El rock espectáculo es más efectivo y, de cierta forma, más creíble, por que su resultado es inmediato: el entretenimiento en base a riffs de guitarras. A los que no fueron solo hay que decirles “Hate To Say I Told You So” (jojojo).

Web oficial Aquí Una entrevista en EmolTV Aquí

¡Biolay est phénoménal!

Sería fácil recordar la discografía completa de Benjamín Biolay, las chicas que han utilizado sus composiciones (Keren Ann, Coralie Clement, Chiara Mastroianni, etc) y los no tan jóvenes (Jane Birkin, Francoise Hardy y Henri Salvador). Podríamos profundizar en sus declaraciones sobre Sarkozy (“Es una broma para Francia”) o en su fracasado plan por alejarse del apodo de “Enfant Terrible” de la canción francesa. Inclusive podríamos comentar sobre su posible rol de Serge Gainsbourg en el cine, o del motivo de sus separación de la hija de Catherine Deneuve (“Existen muchas mujeres en el mundo”), pero no, bueno… sí.
La cosa es que el sábado 26 de abril se presentó en el Teatro Oriente de Santiago. Una fecha en que meses antes se había publicado por ahí que venía Keren Ann (ex de Biolay responsable de un corto pero notable disco homónimo el 2007). Algo de la compositora nacida en Israel estuvo en el recinto cuando Biolay cantó con guitarra “Jardin D`hiver” creada en conjunto para su primer disco (y reversionada por Henri Salvador), pero canciones como “Négatif” y “Tant Le Ciel Était Sombre” hicieron olvidar la falsa promesa.
Pero no sólo de “chanson" francesa vive el hombre. El concierto fue un recorrido por sus influencias junto a dos músicos: trompeta y una forma de tocar a lo Chet Baker la canción “As Time Goes By”, temas de Gorillaz y The Smiths, una guitarra potente v/s una guitarra Folk, el piano clásico v/s teclados modernillos, el theremin y la flauta, la cadencia del hip hop y una voz profunda que más que cantar, narra, recita, comunica. Ahhh, sin olvidar los cigarros y el vino.
Biolay presentó muchas canciones de “L’Origine” (2005), incluida el éxito “Mon Amour M’A Baise” de ese disco que fue el más ambicioso y al mismo tiempo el que menos ventas logró. Él lo dijo durante el concierto: “esta gira no tiene nada que ver con los sellos discográficos ni la promoción de discos”, sin embargo sonaron sus canciones más conocidas, como “Los Angeles” (Rose Kennedy – 2002), “Chaise á Tokio” (Negátif – 2003) y “La Ballade Du Mois De Juin” (Home – 2004) y “Dans La Merco Benz” (Trash Ye Ye - 2007) entre muchas otras.
Pocas veces vemos a músicos tan autónomos, libres y despreocupados por la pose y los adornos. Esta fue una de esas, en donde lo ejecutado vale más. Al final la comunicación es sentir y el señor Benjamín Biolay logró hacerlo, barreras idiomáticas mediante. Más que un francesito susurrante quedó en evidencia que la supuesta caricatura del cantante seductor está dando paso a un músico con mayúscula y muy necesario de conocer para quienes no han tenido la oportunidad. L’Historie D’Un Garcon.

Vea el video de "Laisse Aboyer Les Chiens"

It is up to me now, turn on the bright lights...

Distante pero adictivo. Así fue el concierto de Interpol el pasado jueves 6 de enero en el Teatro Caupolicán. Los norteamericanos mostraron canciones de “Turn on the bright Lights” (2002), “Antics” (2004) y “Our Love To Admire” (2007), discos que, aunque lo nieguen, son fieles seguidores de la escuela de los ingleses Joy Division (también nombran como influencias al Noise y el Grunge) y que hoy nombres como Editors, The Walkmen y She Wants Revenge pueden presentar un sonido similar, aunque nuestros visitantes sean los que quedan mejor parados del revival post punk dentro de la nueva generación de bandas “ondita” New York 00’s.
Vestidos de negro, sin adornos y sin mucho "bla bla bla" Paul Banks (voz) comenzó a cantar “Pioneer of the Falls” y de inmediato los casi 4 mil asistentes se unieron a la guitarra, bajo, teclados y batería que completaban una atmósfera hipnótica y oscura que alcanzó sus puntos altos con temas de sus dos primeros discos como "PDA", “Slow Hands”, "C'mere", “Say Hello To the Angels”, "NYC", “Evil” y “Untlited”, aunque "No, I An Threesome", "Scale" y "Mammoth" del disco del año pasado no se quedaron atrás.
El sonido en directo, la actitud y la seriedad que mostraron los neoyorkinos dan cuenta que buscan perfeccionar su música y que el fin es llegar a sonar como un disco en estudio, algo que se manifiesta en una presentación sin fallas pero quizás demasiado estudiada, algo que puede restar al factor sorpresa... una cosa sin importancia cuando los músicos hacen bien su trabajo y este, totalmente, fue el caso de Interpol.
Durante los últimos años muchas bandas de esta “camada” nos han visitado. The White Stripes, Kings of Leon, The Mars Volta, The Strokes, Franz Ferdinand y The Rapture (con todas las diferencias y similitudes que eso tiene), han pisado escenarios locales y hace pocas semanas los suecos Mando Diao realizaron un poco publicitado pero rockerito recital en discoteque Blondie, pero pocas veces el "hype" se transforma en algo notable y eso ayer quedó más que demostrado.


A propósito de Joy Division ¿Usted ya vio “Control”?

¿Quién dijo Nostalgia Grunge?

Lo mejor del 2007, así nomás, fue la presentación de Chris Cornell el pasado lunes 10 de diciembre. No es una frase para revista de papel couché para fin de año, claro, no fui a todos los conciertos de este año, pero entre tanta reunión por plata, grupos indies deslavados, bandas que repiten la misma canción y “nuevos” descubrimientos, escuchar algo sólido hacía falta.
Fue mala idea juntar al grupo del novio de Sofia Coppola, Phoenix, y a The Dandy Warhols que ni siquiera con "Bohemian Like You" lograron entusiasmar a un público que preguntaba ¿Quiénes son los que tocan?. Aunque es obvio, es bueno también repetir que el lugar (Espacio Riesco) es uno de los peores para ver, escuchar y sentir un concierto. pero todo eso no importó cuando sonaron los primeros acordes de “Sunshower” y el Señor Cornell tomó el micrófono para cantar "Let Me Drown"… desde ahí no se desenchufó hasta dos horas 50 minutos después.
Canciones de Soundgarden, Temple of the Dog, Audioslave y sus discos en solitario, Euphoria Morning (1999) y Carry On (2007), eran un repertorio potente para quienes aventuraban que el sobreviviente del “grunge” poco podría hacer en solitario. En las casi tres horas los ánimos no decayeron y canciones como “Spoonman”, “Black Hole Sun” y “Burden in My Hand” hicieron recordar cuando las camisas de franela eran lo máximo, pero no de forma nostálgica, esta presentación no daba espacios para llorar inventos socioculturales para vender discos.
Y no olvidemos la moda de las megabandas, con Audioslave editó tres discos y tracks como “Cochise”, “Like a Stone”, ”Show Me How To Live” y “Be Yourself” sonaron como si le pertenecieran completamente. Que hablar de el set acústico y esa versión “Billy Jean” (Michael Jackson) incluida en su segundo disco en solitario, coreada por las casi 10 mil personas presentes. Si hasta “You Know My Name” (de la última película 007) fue notable.
Suena lindo decir que en Argentina tocó una hora y media y acá duplicó el tiempo. Pero además de aquello, la energía, la calidad vocal, la entrega y la sensación de que estaba haciendo bien su pega y no un trámite para ganar plata, hicieron que la primera vez en Chile de Christopher John Boyle sea para recordar El cóver “Thank You” de Led Zeppelín que sonó aquel 10 de diciembre va para él.

Honestidad Brutal

“Leyó a mordiscos en un lapso clandestino/tragando aquel dolor que se le atragantaba/sintiendo claramente el riesgo, el desatino /de la pendiente aquella en la que se deslizaba…”

Siempre estamos clasificando, ordenando, estigmatizando, comparando o adjetivando la música, pero ¿qué pasa cuando no se puede? A veces algunos compositores/interpretes no siguen patrones aunque tampoco llegan a la experimentación, o existe un pensamiento ligado a una corriente política y no es necesario el abanderarse. Estar en todos lados y a la vez no detenerse en una parte del mapa ¿Es malo? Los músicos siempre están protegidos por su estilo (o por quienes siguen su estilo) y muchos no salen de ahí, se marean pasando la frontera del punk, del rock, del hip hop o de la canción romántica. Se encasillan solos. No hay expansión. Acusar a Jorge Drexler de pertenecer al glamour socialista seudo denunciante que no termina en nada (o todo lo contrario) es perder el tiempo, las canciones son suyas, un contra – egocentrismo que se entiende más después de ver un espectáculo en vivo con músicos (hace un par de años toco en Santiago con guitarra y secuencias para poco público) para casi 4 mil personas en el Teatro Caupolicán, en donde un violín, un contrabajo, guitarras, computadores, efectos de voz y todo lo que sonara en el escenario sirvió para cambiar de un estado a otro, a distintos ritmos de baile, a guitarras potentes y suaves, o de la euforia a la desnudez. Así nomás. Después de un premio tan mediaticamente importante las prioridades para un “artista” pueden cambiar (de hecho hay muchos ejemplos) y como consecuencia un nuevo público conocerá, tendrá una novedad, un descubrimiento personal y es por eso muchos creen estar descubriendo el nuevo cantante/compositor del año. Pero Drexler tenía una carrera consecuente antes de “Eco” (2004), disco que promocionaba en la época de “Al Otro Lado del Río” (de la película "Diarios de Motocicleta" de Walter Salles), la primera canción en español en ganar un Óscar. No pudo tocarla, “nadie lo conocía” de entre los televidentes de ese premio. ¿Un mito? No, no hay nada transgresor ni políticamente incorrecto en su propuesta, lo que pasa es que a veces uno no escucha al otro o lee dos de cada tres líneas. El lo dijo: "por lo general, la buena o mala noticia es que la gente parece no leer los discos con detenimiento". Drexler después del premio aquel y de otros reconocimientos en Europa, Estados Unidos, Latinoamérica, más invitaciones y oportunidades, editó “12 Segundos de Oscuridad”, un disco que no refleja esa etapa de éxito internacional, sino una fase personal (se va Ana Laan, entra Leonor Watling) que no llega a ser una obviedad ¿Por qué? porque Drexler no enseña como los trovadores clásicos, relata, pero sin dejar el libro completamente abierto, inclusive en un cover como "High & Dry" de Radiohead. La interpretación y no la "onda". Para eso sobran nombres. Sus canciones después de todos los instrumentos y adornos electrónicos, están formadas por letras que dicen lo que muchos quisieran decir de esa forma, desde otro lugar, sin la frase escrita hace décadas por otro compositor, sin el efectismo golpeador de rankings en busca de la balada de turno. En su trabajo hay honestidad y cuando existe ese escaso bien, quien escucha (y comprende lo que escucha) no puede hacer más que aplaudir de pie, con ganas, sin preocuparse de la reunión social que se forma o de lo poco "indie" que era. Lo importante fue la música, como el 24 de abril.

Usted, sí usted, puede ver el video de "Hermana Duda/Desvelo" Aquí

KeyboardKaraokeSynthPowerPop

Casi dos horas duró el espectáculo de Neil Tennan y Chris Lowe el domingo pasado. Digo espectáculo porque no era una banda arriba del escenario, eran un interesante karaoke, una discoteque fluorescente, una invitación a pasarlo bien. No, que no suene despectivo, pero la fuerza de las cuerdas y una batería se extraña, inclusive en música para bailar, es por eso que cuando Tennant tomó una guitarra para “Home & Dry” y una pequeña batería asomó en el escenario para “The Sodom & Gomnorrah Show” un poco de humanidad apareció en la perfección de un show sintético. Diferente a lo que es uno de Kraftwerk, pero igual de impresionante, algo que no logró Chemical Brothers, por ejemplo.
Algo no entiendo, por qué seguir llenando los periódicos con frases como “el dúo ochenteno”, “fiesta ochentena”, “el colorido Kitsch” cuando este grupo sigue editando discos como el impecable “Fundamental” (2006) que incluye “Minimal”, “The Sodom & Gomorrah Show”, “Numb” y la canción “I’m Whit Stupid” que se aleja de la crítica a la política internacional de Tony Blair y George Bush para narrar, irónicamente, un romance entre los gobernantes: “Fly across the ocean /Just to let you get your way/No one understands me /Where I'm coming from /Why would I be with someone /who's obviously so dumb?” . Uno de los destacados del año 2006 según este subjetivo blog.

Pero sí, sonaron clásicos de los ochenta y noventa del dúo ingles, como Se a Vida É, West End Girls, Always on my mind, It`s a Sin, Parinaro, Go West y Domino Dancing, pero también hicieron tremendas presentaciones de Shopping, Suburbia y, como no, Rent. Y repito, tremendas, porque si no fueran así el show se hubiera percibido pobre, porque no fue el mismo de otros países, mucha menos producción, aunque el apoyo de un trabajo visual muy cuidado y no pasar el límite de la exageración (casi) todo funcionó como reloj junto a tres coristas y dos bailarines que eran un espectáculo aparte del “no comparto mi metro cuadrado” Lowe/Tennant.
Hace trece años que vinieron por primera vez, y del Víctor Jara pasaron a la Estación Mapocho y casi 10 mil personas que bailaron y vieron como la simple idea de un tubo fluorescente era transformada en un escenario en donde las luces y los colores cambiaban de lugar y formas con luces de neón, además de algunos cambios de vestuario, un vaquero dorado, estética nerd, una entrada engañadora con tres parejas iguales entonando "We're The Pet Shop Boys" (La versión de Robbie Williams para la canción de My Robot Friend) y un final inesperado: Being Boring, una canción que no tenían contemplada y que no habían tocado en la parte Latinoaméricana de esta gira. We Were Never Being Boring…

¿Quiere ver el video Being Boring dirigido por Bruce Weber? Pinche Aquí

New Order/Personal Fest/Buenos Aires

Nunca me gustó mucho la "onda New Wave". Claro, no soy de la "generación ochentera" sino de la "noventera", pero New Order es otra cosa, no sé si mejor que U2 o Depeche Mode (grupos con cantidades industriales de seguidores), pero los post-Joy Division han sido consecuentes con la música de baile unida a las guitarras, una especie de sacrilegio para los puristas.

La cosa es que Bernard Summer y compañía no pasaban por Santiago de Chile, pero tocaban en Argentina el segundo día del Personal Fest del Club Ciudad de Buenos Aires. Y aunque los únicos chilenos del festival fueron los Tiro de Gracia, la primera noche con The Black Eyed Peas, Madness y The Rasmus no era lo importante (Bueno, Madness sí). Bernard Summer y compañía sí. Los productores nacionales y “periodistillos” que asistieron acreditados deben haber creído que estaban en algún festival europeo con el que soñamos cada cierto tiempo, es más, con la realidad del mercado nacional (chileno) uno tiende a construir esa imagen de festival del primer mundo.

No es para menos, eran 4 escenarios con los cabeza de cartel New Order, Ian Brown y The Bravery, más los DJ Set de Happy Mondays, The Smiths y Peter Hook (New Order), además de una buena cantidad de grupos y solistas argentinos como Juana Molina, Victoria Mil, Leo García y Capri. Todo eso hacía preguntar ¿Por qué no hay algo remotamente parecido en Chile? ¿Por qué llega la mitad de lo que va a Argentina? ¿Por qué Patti Smith no pasó por Chile si podría haber llenado el Víctor Jara, por ejemplo, con Yeah Yeah Yeahs? Y aunque tenemos la respuesta, se esperan milagros.

Pero eso se olvidó cuando New Order apareció en el escenario principal con más arrugas y guata que hace 20 años. Claro, ha pasado el tiempo y los de Manchester no partieron con la “nostalgia ochentera”. Sonó “Crystal” para seguir con "Regret", y durante la noche se escucharon "Turn", "Krafty" y "Waiting for Sirens Call", pero también sus éxitos que encendieron (por fin!) a la fría audiencia trasandina, como "Blue Monday", "True Faith", "Perfect Kiss" y, por supuesto, "Bizarre Love Triangle", aunque lo mejor fueron "Ceremony", "Transmisión", "Atmosphere" y el gran himno de Joy Division: "Love Hill Tear Us Apart".

¿Es necesario agregar algo más? Antes, Ian Brown (el rey mono) y su arrogancia copiada por los Gallagher (Oasis) cantó sus éxitos de solista pero también demostró que “I Wanna Be Adore”, de su ex grupo Stone Roses, la que todavía suena como si esperáramos a escuchar en el mismo recinto a Inspiral Carpets, The Charlatans y Happy Mondays para seguir la fiesta en algún festival de los noventas, (y así olvidarse del mal rato de ver a Babasónicos como sus invitados al escenario). Y ese rock mestizo de Stone Roses y New Order estuvo presente con un grupo nuevo que sigue a los viejos, The Bravery que tiene fuerza y ese look rockero que fotografía bien, no son mucho más que “An Honest Mistake”, aunque su mezcla de tecno-pop-dark-punk-rock sea de lo más entretenida. La guitarras sonaron fuerte por lo menos.

Caso aparte, y lejana al retro rock, Juana Molina tocaba guitarra junto a un sampler y una máquina de ritmos mientras una buena cantidad de público la escuchaba atentamente. Claro, la parada “indie” de la amiga de Devendra Banhart (que estuvo hace poco en Argentina) hace palidecer a proyectos femeninos que tienen esas aspiraciones al otro lado de la cordillera y también en este. Hay que trabajar duro para estar cerca de la compositora de "Tres Cosas" (2004) y "Rara" (2005).

¿Alguna vez tendremos Personal Fest un en Chile? No creo, acá siempre es más importante quién asiste al recital (y quién lo acompaña), más que el espectáculo. Además, claro, de aquello de "yo pertenezco a una tribu urbana", algo muy nacional, por que poco de eso había en el Club Ciudad de Bs As. Pero muchos chilenos (muy new wave) estaban presentes tratando de "hacer patria", por eso, de lejos mejor... invisible. Lo que hice después del festival, en la madrugada, en la tarde o en la mañana; lo que compré, comí y dónde fui no es importante ya que nada tiene que ver con el tema principal: New Order.

Agradecimientos especiales: Carof