Arrival: ¿Por qué estamos aquí?

Si vemos el iris del ojo humano muy de cerca es como un pequeño universo. Así es ‘Arrival’ (La Llegada), una película que habla sobre lenguaje y tiempo, dos grandes temas mostrados a través de un mensaje extraterrestre que debemos descifrar y la comunicación entre quienes habitamos el planeta Tierra, pero también de cómo eso nos afecta desde el microscópico lugar que ocupamos.

El primer contacto con la ciencia ficción de Denis Villeneuve (‘Prisioners’, ‘Sicario’) –se encuentra trabajando en la segunda parte de ‘Blade Runner’– plantea que el idioma que hablamos cambia nuestra forma de ver el mundo. Idea que nace de una inspiración literaria: el cuento corto ‘La historia de tu vida’ (Ted Chiang, 1998), una historia, en la superficie, sobre naves espaciales –o dispositivos de comunicación- que se instalan en diferentes continentes y cómo debemos encontrar una respuesta al ¿por qué están aquí?

En el caso de Estados Unidos –aunque se muestran, en segundo plano, otras realidades–, una lingüista (Amy Adams) y un físico (Jeremy Renner) serán el puente entre los visitantes y gobierno/militares, quienes no pueden dejar de pensar en una invasión. Vemos las inmensas naves, a los extraterrestres, el caos a través de las noticias y la inminente amenaza, pero no, no hay explosiones, ataques en masa ni discursos patrióticos.

Si hay que unir 'Arrival’ con otro título de la filmografía de Villeneuve, sería con la extraña ‘Enemy’ (2013), en la que jugó con el tiempo y entregaba pistas para armar un rompecabezas. Es decir, una forma de narrar que se asemeja al filosófico y emocional texto que fue adaptado por Eric Heisserer (‘Lights Out’), guionista que aportó extras que llevan a recordar a otros títulos del género, como ‘Interstellar’ (Christopher Nolan, 2014) y ‘Contact’ (Robert Zemeckis, 1997), pero también a ‘The Tree of Life’ (Terrence Malick, 2011).

Visualmente es un placer para los sentidos: el magnetismo y los matices de Adams (‘Batman v Superman’), quien transmite toda la fuerza y fragilidad a través de sus ojos; la bruma, las luces y sombras de la fotografía de Bradford Young (‘Selma’); la conmovedora banda sonora de Jóhann Jóhannsson (‘The Theory of Everything’), y el redescubrimiento de ‘On the Nature of Daylight’ de Max Ritcher (‘The blue notebooks’, 2004), tema elegido para el principio y final de la película.

Aunque en algunos minutos Villaneuve se ve en la obligación de explicar cosas, el juego narrativo de armar la historia encaja a la perfección para quienes aceptan el reto de resolverlo. Todo tiene sentido, desde traspasar la barrera del idioma, al rol de la memoria en nuestras vidas, la experiencia de una pérdida y la naturaleza humana. ¿Estamos preparados?

Midnight Special: al rescate del superhéroe

El gobierno lo ve como un arma mortal y una secta religiosa como su salvación, pero Roy (Michael Shannon) siempre lo verá como su hijo. Alton (Jaeden Lieberher) tiene ocho años pero no es un niño normal: sus poderes sobrenaturales podrían detener a cualquiera, pero debe ser protegido y su padre hará lo necesario para que así sea. ¿Suena repetido no? Bueno, esa es la primera impresión.

Quienes conocen el cine de Jeff Nichols saben que no todo es tan simple. En su cuarta película vuelve al concepto de la familia, pero ahora abordando sus propios temores ante la posibilidad de perder a un hijo. La mejor forma de llevarlo a cabo fue con un cuento de ciencia ficción que apela a la nostalgia de títulos como Encuentros Cercanos del Tercer Tipo (1977) y E.T. (1982) de Steven Spielberg, o Starman (John Carpenter, 1984) pero no necesariamente dirigida a los fanáticos de esos clásicos... o como la historia de un superhéroe no apta para los fans de Marvel o DC Comics.

El director/guionista estadounidense sigue generando interrogantes y no subestimando al público. Es decir, sabemos que “he’s not like us” (no es como nosotros), como dice la frase promocional, pero no es necesario malgastar efectos visuales para dejarlo claro; sabemos que lo persiguen, pero no hay que destruir toda una ciudad para llevar a la pantalla las intenciones de la seguridad nacional; sabemos que lo quieren proteger, ¿pero hasta lograr qué?

En ese escape hacia lo desconocido se suman otros personajes, entre los que destacan su madre (Kirsten Dunst), el hombre que los ayuda sin pensarlo dos veces (Joel Edgerton), o el especialista contratado por el FBI y la Agencia de Seguridad Nacional (Adam Driver), quienes se hacen parte de una travesía por una oscuridad que oculta el potencial del alien/salvador que lee cómics de Superman preguntándose qué es la kryptonita, mientras nosotros pensamos que perfectamente podría ser Clark Kent descubierto antes de tiempo por los humanos.

Una película en la que la acción y los diálogos tienen la misma importancia que los silencios, en la que la cinematografía (Adam Stone) y música (David Wingo) se complementan a la perfección con imágenes evocadoras. Quizás el resultado de repetir nombres -actores y técnicos- y formar un equipo con el que ha logrado sorprender en trabajos anteriores como la apocalíptica Take Shelter (2011) y con la que promete hacerlo nuevamente, Loving, su segunda película del 2016, basada en la historia real del primer e “ilegal” matrimonio interracial en Estados Unidos.

“Vi el amanecer esta mañana. Creo que sé lo que soy ahora”, dice en algún momento el pequeño Alton, personaje que lidera esta propuesta que no dejará a todos felices, pero que se arriesga en un género, casi siempre, lleno de tópicos. Un relato intimista que aborda el miedo a la pérdida de una forma emocionante y transporta a un mundo extraordinario.

The Invitation: el drama del terror

Una ex pareja se encuentra años después de la muerte de su pequeño hijo. Cada uno siguió un camino distinto y cada uno lo ha afrontado a su manera: Will (Logan Marshall-Green), culpándose y recordando, mientras que Eden (Tammy Blanchard) desapareciendo hasta dar con una fórmula para seguir adelante. Ellos, con algunos amigos, compartirán una noche en donde la tensión será como un invitado más.

Junto a su novia, Kira (Emayatzy Corinealdi), él llega a la que fue su casa en donde ahora vive su ex esposa con David (Michiel Huisman), su pareja actual. Así se va completando un grupo de personas que muestran esa faceta de las relaciones interpersonales en donde se sobreactúan las sonrisas y la “buena educación”. Sin embargo, cree que hay algo más allá de su propia incomodidad ante el reencuentro y las preguntas fuera de lugar.

Las miradas inquietantes, las rejas en las ventanas, las puertas cerradas con llave, los secretos al oído y los extraños nuevos amigos, hacen que Will se transforme en un observador desconfiado, cuya paranoia va creciendo a medida que se vacían las botellas de vino.  ¿Qué está pasando aquí?, es su pregunta y la nuestra.

Pero es el único que cree que algo anda mal mientras el resto parece divertirse. Él está quebrado y el fantasma de un pasado doloroso lo persigue en cada rincón de un lugar que fue su hogar y hoy es un laberinto de interrogantes. "No se siente seguro aquí", es una de sus advertencias. Para el resto no es muy confiable, pero ellos tampoco lo son.

Lo que creemos como verdad se transforma en una mentira y nos hace cambiar de opinión. Así se desarrolla esta película que logra confundir e incomodar gracias a un guión (Phil Hay y Matt Manfredi) que se toma el tiempo de presentar a sus personajes, planos que sacan el máximo provecho de la casa que sirve como locación, música incidental de Theodore Shapiro ('Trumbo') que no trata de engañar ni asustar sin motivo y unos actores entregados al ritmo en que se sucede cada acto que parece pensado como una obra teatral.

Karyn Kusama (sí, la misma directora de ‘Jennifer’s Body’), se llevó el premio a la Mejor Película en el Festival Sitges 2015 con esta historia en donde la represión del dolor es el detonante de una realidad que parece sacada de la peor pesadilla. Un noche de terror en manos de monstruos con los que logramos conectar, porque son muy humanos.

Locke: la verdad y sus consecuencias

“Si cometes error, un maldito pequeño error, se te derrumba el mundo entero”, es una de las frases que Iván Locke (Tom Hardy) dice al teléfono. Tenía a cargo el inicio de la construcción de un inmenso edificio pero la dejó repentinamente para enfrentar un problema que podría destruir los cimientos de su vida, familiar y laboralmente perfecta hasta el momento que decidió dejar de mentir.

En su segunda película tras Hummingbird (2013), Steven Knight –guionista de Eastern Promises (David Cronenberg, 2007)– apuesta por el minimalismo al tener un solo personaje conduciendo un BMW X5 en un claustrofóbico viaje de 85 minutos desde Birmingham a Londres, con un teléfono con manos libres como medio para tratar de lograr la redención y seguir siendo el hombre que nunca ha fallado.

Al menos eso pretende encontrar al final de un recorrido en el que se siente desde el roce del asfalto con los neumáticos hasta sus miedos más profundos mientras marca, contesta y corta llamadas en las que no valen la omisión ni las mentiras blancas. “No voy a volver atrás” asegura, tratando de no repetir la historia de su padre, cuyo fantasma lo atormenta desde el asiento de atrás. No lo podemos ver, pero sí imaginar.

Además de un guión que funciona como reloj, y de una dirección que se transforma en toda una experiencia cinematográfica que aprovecha al máximo unos pocos elementos, la gran interpretación de Hardy es contenidamente realista. Una sorpresa tras destacar en roles en que el aspecto físico es más que relevante, entre ellos Bronson (Nicolas Winding Refn, 2008), The Dark Knight Rises (Christopher Nolan, 2012) y próximamente en Mad Max: Fury Road.

Quizás sea una coincidencia, pero su apellido recuerda al filósofo inglés John Locke (1632 – 1704), a quien se le atribuye la frase "lo que te preocupa, te esclaviza". Algo que parece motivar al Locke que tiene el control sobre su auto, pero no sobre lo que puede ocurrir cuando sus pies toquen la tierra. No mentirás, dice un mandamiento. Difícil cumplirlo.

Enemy: identidad, clones y arañas

Al menos hay dos momentos en que Enemy, la nueva película de Denis Villeneuve (Prisioners, Incendies), golpea fuerte. Dos instantes de efectivo sobresalto que no se comparan en nada con la telaraña que termina de construir en sus 90 minutos de metraje. Una red de interrogantes que se van respondiendo con el paso del tiempo y que deja imágenes difíciles de olvidar.

¿Es real o pura imaginación? “El caos es un orden por descifrar” es la primera pista. Esa frase, que aparece al inicio, es parte de El Hombre Duplicado (José Saramago, 2002), novela que inspiró al director canadiense. Pero claro, es una adaptación libre que mucho de la imaginación del realizador que se propone jugar con nosotros, el espectador, llevarnos a completar y descubrir el rompecabezas de su protagonista mientras el nuestro comienza a crearse.

Adam es profesor de historia, vive en un departamento en eterna mudanza, viste todos los días igual y la rutina aparece hasta en la relación con su novia (Mélanie Laurent). Eso, hasta que ve una película en la que un actor es idéntico a él. Es Anthony, un clon (¿?) con un mejor departamento, una esposa (Sarah Gadon) embarazada y mucha actitud. El nerd y el cool interpretados por un entregado Jake Gyllenhaal en su rol más raro desde Donnie Darko (Richard Kelly, 2001).

Desde ahí la obsesión lo controla. ¿Es un gemelo perdido? “La historia se repite, la primera vez como tragedia, la segunda como farsa”, es una frase de Karl Marx que Adam cita en una de sus clases mientras la pesadilla se torna cada vez más oscura, aunque por ahí hay escondidos espacios de luz entre un caos perfectamente estudiado.

Otra pista son las arañas que aparecen en algunas escenas. “A veces tienes que resumir 50 páginas en una sola imagen", señaló el director canadiense sobre el elemento que agregó a la historia del escritor portugués. Una fantasía en un contexto realista, que sumado a panorámicas de de una ciudad fría (Toronto), desconcertantes diálogos y el asfixiante soundtrack de Danny Bensi y Saunder Jurriaans (Martha Marcy May Marlene, 2011) recuerda a David Lynch. La acotada e intrigante presencia de Isabella Rossellini (Blue Velvet, 1986) refuerza la teoría de esa influencia, al menos por esta vez.

Villeneuve no es complaciente y hace difícil el tener que tomar partido por Adam/Anthony, pero atrapa en el juego de entender si estamos ante algo que está ocurriendo, nunca lo hizo o quedó escondido en alguna parte de la memoria. Atrapa, y dan ganas de volver a mirar todo con más atención para lograr escapar de sus redes.

The Broken Circle Breakdown: desolación al ritmo del bluegrass

"¿No te arrepientes de ninguno de tus tatuajes?", pregunta Didier (Johan Heldenbergh). "Claro que sí. Pero no es un problema. En el peor de los casos, te pones otro arriba", responde Elise (Veerle Baetens). Está acostumbrada a borrar así lo malo, lo que termina o lo que no le gusta. Sin embargo, hay cosas para la que la solución no es tan fácil.

Él es un fanático del bluegrass, tiene una banda en la que toca el banjo y vive en una granja, con casa rodante, gallinas y caballos. Ella es tatuadora, le sigue el juego del "sueño americano" (asegura que Estados Unidos es “el mejor lugar del mundo”) y hasta se convierte en cantante, transformándose en una suerte de Johnny Cash y June Carter. El problema geográfico es que viven en Bélgica y lo que soñaron termina en una pesadilla que cada vez se pone peor.

Son los protagonistas de The Broken Circle Breakdown - Alabama Monroe en algunos países -, película que avanza a través de saltos cronológicos que hacen al espectador disfrutar de sus alegrías y sentir sus grandes penas. Eso, gracias a un guión que mezcla sentimientos universales como amor, el dolor y la culpa, con la batalla histórica entre religión y ateísmo. Tópicos que logran conmover y traspasar la pantalla cuando se muestran de una forma sutil, con gestos y miradas, a diferencia de cuando todo es más repetitivo en ideas, conceptos y metáforas.

Pero da lo mismo, al poco andar la película dirigida por Felix van Groeningen atrapa. Es un rompecabezas que hay que terminar y que se arma escuchando clásicos de la americana como "Country In My Genes" (Loretta Lynn) y "If I Needed You" (Townes Van Zandt),  y canciones tradicionales como "The Wayfaring Stranger" y "Will The Circle Be Unbroken", todas interpretadas por los propios actores en escenas que hacen más llevadera la aceptación de la tragedia.

Una historia que ilusiona y golpea, que regala y quita, que hace creer y dudar, que es simple y compleja a la vez. Aunque es manipuladora deja escenas para recordar - la banda tocando en un gran teatro con los músicos viviendo la letra de una canción, es un gran ejemplo -, las que cuentan el pasado y presente pero no dejan imaginar el futuro, porque el puente para seguir adelante está destruido y lo que se siente es un gran abismo.

The Broken Circle Breakdown es una de las seleccionadas en la categoría de Mejor Película Extranjera para los Oscar 2014 y The Broken Circle Breakdown Bluegrass Band fue más alla de las salas de cine, saliendo en una mini gira por Europa.

Ilusiones Ópticas: (sur)realista

La imagen está fuera de foco. Es invierno en la ciudad de Valdivia en el sur de Chile. En las oficinas de una clínica y en el Mall de la ciudad se entrecruzan las ilusiones de un grupo de personas que buscan un cambio, un poco forzado... como la modernidad que está transformando su entorno.

Esa búsqueda los retrata como personajes extraños cuyas historias generan risas nerviosas. Acá el chiste no es rápido. Juan (Iván Álvarez de Ayala) perdió la vista cuando era niño y la recupera parcialmente en la clínica Vida Sur, en donde conoce al Gonzalo (Alvaro Rudolphy) que lo quiere como protagonista de una campaña publicitaria.

El "creativo" ni se entera que su esposa Rita (Valentina Vargas) es una cleptomana ABC1 y tiene como amante a un guardia del Mall, Guajardo (Eduardo Paxeco). La hermana del guardia es Manuela (Paola Lattus), una secretaria que se quiere agrandar las pechugas en la misma clínica en en donde a David (Gregory Cohen) le informan que será "trasladado" al departamento de outplacement.

Sus historias transcurren en una puesta en escena muy calculada. La cámara está fija en todo el metraje y lo que ocurre en el segundo plano (y en tercero también) suma a lo principal. Ahí está el choque entre lo moderno del centro comercial y los barrios de Valdivia; el río Calle-Calle desde un restaurant; lo que ocurre detrás de la ventana que está al fondo; las casas en serie... además del frío y la humedad que está siempre presente.

Después del corto "El Tesoro de los Caracoles" y de "XX" (editado en un DVD llamado Snob), el director Cristián Jiménez exhibió "Ilusiones Ópticas" en festivales como los de San Sebastián, Mannheim, Tokyo, Varsovia, Biarritz, Suecia y, claro, el de Valdivia (en pocos días en Bratislava). Una cinta que comienza lento pero que va sumando a cada minuto. Una historia absurda si se mira con distancia, pero después de hacer foco y digerirla parece muy real.

Web oficial

Vea con atención (mucha) el spot realizado por el mismo Jiménez para el Festival de Cine de Valdivia 2009. Aquí

La Nana de Chile...

El jueves 13 de agosto se estrenó "La Nana" en las salas de cine locales y hoy 06 de octubre (día del cine) todavía está en cartelera!!! En el 2007 el mismo director, Sebastián Silva, estrenó "La vida me mata" y la cosa fue bien distinta. En su debut el músico, director, guionista y pintor Sebastián Silva reunió distintas visiones sobre la muerte, con distintos tonos (comedia, drama, blanco/negro, color) en un desorden organizado con mucha "onda", que duró dos semanas como mucho en las salas.

Dos años después entrega la historia de Raquel, una nana "puertas adentro" por más de 20 años y que no tiene más tema que ese, su trabajo. Una obra naturalista, construida en base a sus personajes, diálogos, silencios y miradas. Cine puro y duro que obtuvo distinciones en el Festival de Sundance (entre muchos otros) y que puso a Catalina Saavedra, su protagonista, en el ojo de los críticos y la prensa, incluyendo The New York Times.

Ella interpretó a muchas "nanas" en televisión, pero esta es completamente diferente, un personaje que deja marca y que seguramente será recordado en la historia del cine chileno. Así es. Una mujer resignada en un encierro elegido. No en la forma de una "crítica social", la representación de la esclavitud moderna ni lo aspiracional de nuestra sociedad en una nana con delantal, porque la historia está sobre todo eso. Es el recorrido de un ser humano odiable, querible y que se puede comprender, porque no está armado con estereotipos ni simplificaciones.

Se siente el cansancio por los años sin vida propia durante todo el metraje. Pareciera que el director no quiso etiquetar a los buenos y a los malos, sino mostrar la rutina como una forma de castigo auto impuesto. Claro, llega el momento en que algo hace despertar a la protagonista de la batalla diaria, de la competencia con otras mujeres como ella, de los secretos, de lo que no hizo y, posiblemente, nunca experimentará y del perdón que quiere recibir. Hay mucho más que trabajar en la casa de otros, algo que no la deja escribir su propia historia.

Pero el final da para muchas interpretaciones. Una buena jugada. Mejor que dejar a todos contentos o a todos enojados, es dejar a todos con preguntas sin respuestas, con la incomodidad de no dejar todo cerrado. Un final abierto que puede ser el inicio de algo nuevo, pero que no significa un final feliz ¿o sí?.

La Nana es bilingue, tiene web en Español y en Inglés Lo que se dijo aquí sobre "La Vida Me Mata"

Las preguntas incómodas de La Nana, por Tardes de Cine

¿Dawson, Isla 10 es mejor que La Nana?, por Lasnibat

Autoayuda para Sexoadictos

El cine para Chuck Palanhiuk no terminó con "El Club de la Pelea" (David Fincher - 1999). Una de sus últimas novelas, "Haunted" (Fantasmas - Ed. RandomHouse), será dirigida por el belga Koen Mortier (puede ver el trailer de su película "Ex-Drummer" Aquí). Una buena noticia, después de ver la adaptación cinematográfica de "Choke" (Asfixia-2008) a cargo del actor y debutante en la dirección Clark Gregg... bueno, no es mala pero carece del riesgo que tiene la novela. Riesgo pop, pero riesgo.

Es la gran historia de un actor de un parque temático del siglo XVIII, supuesto clon de Jesucristo, adicto al sexo y que no terminó la carrera de medicina (“los adictos al sexo tienen unos niveles naturales inferiores de monoamina oxidasa”, es una de sus frases). Un hombre que se asfixia en restaurantes caros para estafar a personas que quieran ser héroes y salvarlo.

Se llama Víctor (Sam Rockwell) y fue un niño que creía a la fuerza en Ida Mancinni (Angélica Huston), su madre, que ahora está en una clínica/hogar esperando sus últimos días. Una ex activista que, entre muchas cosas, cambiaba el contenido de los envases de tinturas para el pelo en lo que llamaba “terrorismo contra la industria cosmética”.

La versión cinematográfica de la corrosiva novela de Chuck Palahniuk resultó ganadora de un premio especial del jurado en el Festival Sundance 2008 al reparto completo, porque aunque se les quitó complejidad a los personajes los actores nombrados se lucen, como también, la doctora con sorpresa (Kelly MacDonald), el amigo adicto a la masturbación (Brad William Henke) y la serie de amiguitas sexuales del protagonista.

El libro era un 50% divertido y un 50% doloroso, pero en la película queda reducida a recuerdos que guían al protagonista a encontrar su identidad. Es lo central, claro, pero sí que hace faltan cosas para ser más que una “comedia irreverente”. Por ejemplo, Palanhiuk en su libro crea personajes frikis pero complejos que en la película sólo quieren rehabilitarse. ¿Falta de imaginación? Buenos diálogos, buena historia en felices 89 minutos. Un buen rato, pero mejor lea la novela.

"Todas las adicciones no eran más que formas de tratar un mismo problema. Las drogas, el exceso de comida, el alcohol, el sexo, todo era una simple forma de encontrar la paz. De escapar de lo que conocemos. De nuestra educación. Eran nuestro mordisco de la manzana” (Choke - Chuck Palahniuk).

Vea el trailer Aquí

Un post del recuerdo: The first rule is...

Afiche: Fox Searchlight

Lo critico de la crítica del crítico...

Así comienza la columna de cine de Las Últimas Noticias de hoy. No hay mucho que explicar. La crítica en Chile es más un acto de relaciones públicas que otra cosa, porque si hay un poco de análisis los involucrados se enojan. ¿Si la obra (o producto según la definición que le guste) es chilena? Peor.

Y no pasa solamente en el cine, sino que en la música, la literatura y todo lo que involucre egos y la posibilidad de aparecer en los medios tradicionales o en cualquier página en Internet con opción de comentarios. Otro crítico nacional, Gonzalo Maza, en una columna de Paniko.cl, cuestiona su derecho a escribir sobre películas chilenas por participar en una a estrenarse (Navidad, de Sebastián Lelio), describiendo al crítico de cine como: "alguien tan prejuicioso, mañoso, descreído o apasionado como cualquier espectador. Lo único que valida sus comentarios es su capacidad de construir un texto de cierta prolijidad argumentativa".

Pero ¿sirve la crítica a la "industria" chilena? Por estos días se estrena "Grado 3", la nueva película dirigida por el Rumpy que seguro será un exito comercial como "Radio Corazón"(2007) que llevó, aproximadamente, 380 mil espectadores durante las 5 semanas que estuvo en cartelera con muchas críticas negativas en los medios. Es decir, a nadie (o no a muchos) le importa tanto.

La distribuidora UIP envió un correo electrónico al "censurado" crítico informando que no sería incluido en la función de prensa de "Transformers 2: la venganza de los caídos", pero señalando que "no significa que no te consideremos a las funciones de nuestros futuros estrenos".

Muy raro que una de las distribuidoras más importantes no deje entrar al comentarista principal de un periódico como Lun. Raro es también leer ese párrafo aclaratorio en el mismo medio, y más raro aún que el crítico no esperara el estreno en el cine, pagar su entrada para verla (o buscarla pirata en la calle o bajarla desde Internet) y comentarla unos días después. Esa sería la mejor venganza del crítico caído ¿o no?.

 Sigue la polémica entre críticos en Analízame

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You Were Within Your Rights To Bite...

"Let the Right One In" (Déjame Entrar - Tomás Alfredson), es la adaptación cinematográfica de una novela del mismo nombre del escritor sueco John Ajvide Lindqvist (puede leer el primer capítulo Aquí). Una historia que, aunque usted no lo crea, rompe los tópicos del cine sobre vampiros, es decir, se olvida un rato de contar leyendas para demostrar que es posible dar vuelta la página y sorprender con algo más que dientes afilados y sangre. Comienza la década de los 80 en un pueblo nevado llamado Blackeberg, en Estocolmo. Oskar (Kare Hedebrant), de 12 años, sueña con vengarse de sus compañeros de colegio que lo humillan sin descanso. Está solo y es un poco desadaptado, pero un día conoce a Eli (Lina Leandersson), una chica que nunca tiene frío, no va al colegio y pasa encerrada en su departamento junto a un hombre mayor. Son los vecinos nuevos, cuya llegada coincide con una serie de asesinatos a estudiantes que aparecen colgados y sin una gota de sangre. Ellos van tejiendo una historia que va más allá de un (sub) género cinematográfico. Hay terror, gore, fantasía y suspenso, pero también algo social, dramático y realista, todo en su justa medida, para que no sea forzado. Y resulta. Las muertes son memorables, sí señor, pero parecen lo menos importante, el escenario perfecto para desarrollar otros temas. Mostrar crudeza se hace más que necesario para comprender la naturaleza (in)humana. En esa lógica el director es muy calculador. Hace entrar en su atmosfera desencantada en pocos minutos y no suelta el control, logrando una inmejorable descripción de personajes, un gran trabajo en los planos, una precisión de los diálogos poca veces vista, además de darse el gusto de sugerir más que mostrar (deténgase en la simple pero notable escena de la piscina). Una película que con poco dice mucho. Imperdible. Una maravilla. Dicen que: John Ajvide Lindqvist, autor del libro y guionista del film ganador del Festival de Tribeca 2008, se inspiró en el título de la canción Let The Right One Slip In de Morrissey. En el 2008 se estrenaron películas de años anteriores, el DVD adelantó algunas y otras quedaron fuera de este "importante" conteo, como "Promesas del Este" de David Cronenberg y "Cashback" de Sean Ellis, ya que participaron del "importante" conteo del 2007. Es por ello que la siguiente es la lista del 1 al 12 (algo así como una por mes) de las tatatatannnnn... mejores películas del año*. 1- Let The Right One In (Déjame Entrar), de Tomás Alfredson 2- Control, de Anton Corbijn 3- The Dark Knight (El Caballero de la Noche), de Christoper Nolan 4- Funny Games, de Michael Haneke (Un autoremake del director austriaco) 5- Gran Torino, de Clint Eastwood: Un maestro! 6- Antes que el Diablo Sepa que Estás Muerto, de Sidney Lumet 7- La Cambiadora de Páginas, de Dennis Dercourt 8- Hunger, de Steve McQueen (No, no la dirigió el actor muerto en 1980) 9- Mirageman, de Ernesto Díaz Espinoza 10- Margot at the Wedding, de Noah Baumbach 11- No Country For Old Men, de Ethan y Joel Coen 12- The Darjeeling Limited (Viaje a Darjeeling), de Wes Anderson Y como nunca es suficiente, también hay espacio para 10 menciones honrosas... Pineapple Express (David Gordon) RockNrolla (Guy Ritchie) My Blueberry Nights (Wong Kar-Wai) Rabia (Oscar Cardenas) Lars & The Real Girl (Craig Gillespie) Rec (Jauma Balaguero y Paco Plaza) No vea el remake gringo, titulado "Quarentine", por favor!!! Cassandra's Dream (Woody Allen) Ya, ni tanto, pero igual... There Will Be Blood (Paul Thomas Anderson) Transsiberian (Brad Anderson) Iron Man (Jon Favreau) Usted, que es indie, y se viste de amarillo, se preguntará por "Juno" de Jason Reitman... no gracias... bueno, demosle el premio limón al personaje de Ellen Page. *Puede ver el trailer de cada película haciendo un clic en el título. Esto gracias a una estrecha colaboración con youtube… pfff

RocknRolla: El autoplagio de Guy Ritchie

En el apartado películas-taquillas-sobre-la-mafia, el director británico Guy Ritchie logró un lugar asegurado con Lock, Stock and Two Smoking Barrels (1998) y Snatch (2000), con ese entramado videoclipetero que tan bien le resultaba. 

Luego vino su matrimonio que se tradujo en Swept Away (2002) con la actuación de su esposa Madonna… que, ejem, supuestamente, había pasado la prueba en el corto Star (2001), junto a Clive Owen. Después de algunos años, fue el turno de Revolver (2005), su película "seria". Jason Statham, Ray Liotta, Vincent Pastore y André Benjamin de Outkast (un cast gangsteril de tomo y lomo) se pierden en el buen ritmo de un guión complejo, pero que tiene una escenas notables (ejemplos Aquí, Aquí y Aquí). Una obra con la que se anunciaba el "regreso" del director a los balazos, con una historia de estafadores vestidos con traje de sastre en donde la venganza se confundía con una profundidad psicológica/espiritual. 

Ahora es el turno de RocknRolla, que es algo como lo que sigue: Londres ha cambiado y la industria inmobiliaria es la mina de oro para la mafia. Lenny Cole (Tom Wilkinson) domina la ciudad al estilo de los gángsters clásicos y es contactado por el ruso Uri (Karel Roden) para hacer negocios, quien contrata a la guapa Stella (Thandie Newton) como contadora. Ella le encarga un "trabajo" a los llamados "The Wild Bunch" (Gerard Buttler, Tom Hardy, Idris Elba), que se enreda con el robo de una pintura que cae en manos de un rockstar, llamado Johnny Quid (Toby Kebbell), al que todos creen muerto. Es decir, pura corrupción. 

Pero hay algunas cosas nuevas: Ambigüedad sexual y una chica mala protagonista, ya que en su filmografía las mujeres siempre fueron parte del decorado. Lo bueno de lo ya sabido es que la música sigue siendo importante: un baile que recuerda a Pulp Fiction (Tarantino, 1994) y en el metraje suenan The Hives, The Clash, Black Strobe, The Sonic y The Subways, . 

Básicamente es un refrito de sus propias películas sobre la mafia taquilla que, gracias a un arduo trabajo de montaje, hacen que pequeñas historias se transformen en un buen rato en el cine. "Mi trabajo es crear entretenimiento", palabras de Ritchie.

El “freak” y la muñeca de silicona

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Cashback, un corto que se hizo largo

El fotógrafo Sean Ellis dirigió el 2004 un cortometraje que estuvo nominado al Oscar llamado "Cashback". Dos años después utilizó ese material para transformarlo en un largometraje del mismo nombre. A las interrogantes seudo profundas del protagonista sobre el amor, la vida, la muerte, el tiempo y la belleza que contenía esa obra, se le agregó una historia de amor, bueno, se profundizó en ella. “Si no te paras un minuto, puedes perdértelo”, dice una de sus frases promocionales. Todo es sobre Ben Willis (Sean Biggerstaff), un estudiante de arte que no puede dormir después de terminar su relación amorosa con Suzie (Michelle Ryan). Para aprovechar el tiempo comienza a trabajar en el turno de noche de un supermercado cercano. Ahí se da cuenta que puede congelar el tiempo (¿o abstraerse?) y de esa forma apreciar al mundo en pausa, bueno, desvestir y dibujar a las chicas guapas que se pasean por los pasillos del supermercado. Especialmente a Sharon (Emilia Fox), una cajera que evita enterarse del paso de las horas en su aburrido trabajo. La cinta utiliza el recurso del flashback para aportar historia dentro de un argumento pequeño (recuerdos infantiles, de su ex, de sus amigos, su primer acercamiento al sexo, etc), y se destaca en la especial dedicación en la composición de encuadres e iluminación que deja en evidencia la escuela en fotografía del director (es más, hay más preocupación en eso que en entregar una historia coherente), con el foco puesto en el desnudo femenino. Todo musicalizado con sinfonías de Maurice Ravel y Trevor Duncan, extractos de la Ópera Norma, pero también con los sonidos de Royksopp, Peaches, Bardi Johanson y Frankie Goes to Hollywood. Clásico y "modernillo" al mismo tiempo. En su versión corta obtuvo galardones en el Festival de Tribeca y como largometraje participó en las selecciones oficiales de los festivales de Toronto y San Sebastián, por lo que obviamente se ha transformado en un debut prometedor para la carrera de Sean Ellis, que logró un cinta llena de detalles y pretenciosa, sí, pero que deja algunas escenas pegadas en la cabeza por días. Es cierto que la historia que se vuelve irregular al ser muy evidente la extensión de un cortometraje de 18 minutos a un largometraje de 90, pero funciona como un buen ejemplo de cómo contar, desde otro punto de vista, una reconstrucción personal luego de un quiebre sentimental y también como una mirada estética y erótica del paso a la madurez. Una nueva definición del género "comedia romántica independiente".

"Cashback" se exhibió en el último Festival Internacional de Cine de Santiago, SANFIC , y se estrena en las salas locales este 25 de septiembre. Si quieres ver el cortometraje antes de decidir ir al cine, puedes hacerlo gracias a la web 2.0 Aquí.

Web Oficial

La decadente mitología de Batman

La corrupción sigue en las calles de Gotham City en “Batman: El Caballero de la Noche”. Es más, la mafia funciona perfectamente con la ayuda de la policía y unos pocos creen en la justicia. Es por ello que existen dos polos muy opuestos, el caos y el orden: The Joker y Harvey Dent. El primero, un esquizofrénico con cicatrices en la cara y maquillaje corrido por el sudor, el segundo un héroe sin disfraz que logra salvar una ciudad. En medio de ellos está Batman, cansado de estar al margen de la ley y de ser culpable de lo que pasa.
La diferencia con la primera entrega sobre le murciélago realizada por el director Christopher Nolan (Batman Begins), es que hay menos discurso y solemnidad pero mucho más acción y anarquía. Claro, era necesario contar los orígenes del murciélago, saber como un hombre se convierte en la protección de una ciudad en donde los villanos no perpetran surrealistas hazañas sino cosas concretas, como contaminar el agua (en la primera parte) o destruir hospitales y robar bancos en esta segunda entrega, para pasar a la diversión.
Los tiempos de Tim Burton con Batman y Batman Regresa se recuerdan por la preocupación estética; los de Schumacher con Batman Forever por Nicole Kidman… jaja y los con Batman & Robin ejem… mejor olvidarlos… Las dos entregas de Nolan se recordarán por no necesitar mucha parafernalia, es decir, por construir, en un mundo muy parecido al nuestro, una mitología absolutamente decadente y cercana a la realidad. Pero, al mismo tiempo, por transformarse en las más ambiciosas adaptaciones de un cómic a la pantalla grande.
Uno de los puntos débiles de Batman Begins era que se tomaba demasiado en serio. Sí, sí, sí, ahora también lo hace, y sigue sintiéndose el escepticismo, la corrupción, la manipulación de la sociedad, pero la diferencia esta vez está en manos del Joker, que se ríe de todo eso, lo divierte, lo entretiene, porque a él no le importa el dinero sino el caos, aunque eso sea sólo la forma. Heath Ledger (Brokeback Mountain) suena como posible nominado póstumo al Oscar… puede ser, ya que el actor desaparece en un personaje que es pura ideología. Batman se da cuenta que su fuerza no soluciona nada frente al Joker, mientras le dice en las increíbles “conversaciones” que tienen: “la locura es como la gravedad, sólo necesitas un pequeño empujón para caer en ella” o “siento que estamos destinados a hacer esto para siempre”. (fíjese en el “truco” del lápiz).
Pero no sólo Ledger se luce en esta película. También está Aaron Eckhart como Harvey Dent. “Puedes morir como un héroe, o puedes vivir lo suficiente para transformarte en un villano”, dice el “caballero blanco” de la ciudad y piedra angular del film. Un fiscal que encierra a los malos sin necesidad de un traje apretado, que representa todo lo que Bruce Wayne quiso ser y que, inclusive, le quita a Rachel Dawes (Maggie Gyllenhaall). El mejor de todos, es decir, la víctima perfecta. Una moneda con dos caras muy distintas, pero cuya caída a la locura, fatalismo y venganza conmueven… claro que sí.
Un trío que funciona a la perfección porque son diferentes pero a la vez muy parecidos. Ninguno está por sobre el otro, todos fueron personas comunes y corrientes transformadas por sus experiencias, haciendo de sus propias historias algo más grande, convirtiendo su locura, traumas y venganzas en la definición de una sociedad. Todo puede ser corruptible, nada tiene una sola definición, siempre hay una historia detrás. Pero el más convincente es el Joker, los demás sus dignos acompañantes.

Es por eso que Bruce Wayne-Batman está vez no es el gran protagonista, algo que hace más coherente su mundo porque se mueve entre el mal y el bien, entre los personajes descritos anteriormente, más una galería de mafiosos pero, por otro lado, en los afectos que siguen representados por Alfred (Michael Caine), James Gordon (Gary Oldman) y Lucius Fox (Morgan Freeman), para contar una historia que no descansa y que cada vez que el espectador piensa que terminará tiene algo guardado para sorprender. Una superproducción sí, una película basada en un cómic claro, un éxito de taquilla también, pero sobre todo una muy buena película… de esas que hay que coleccionar.

Recordemos lo que se decía en este blog sobre la "cuestionada" Batman Begins Aquí
Web Oficial
"I Don't Need Another Hero", un comentario muy personal de Human Nature sobre Bat(e)man

*A solas. Con gente. Realidad. Ficción...

"Debemos resistir las aplicaciones del shock neoliberal": Naomi Klein estuvo de visita en nuestro país en dos encuentros “abiertos” ciudadanos para hablar de su último libro “La Doctrina del Shock” y la relación Chile - los Chicago Boys - Milton Friedman. La “estrella de rock” como la llamaron en su visita a Argentina pasó casi desapercibida en los medios masivos nacionales y puede ser que la entrevista realizada por Marisol García (hay otra en revista Qué Pasa), y publicada en su blog, sea uno de los pocas marcas que quedaron a su paso. Léala Aquí…

Tenemos su número, nosotros le llamaremos: En el Cine Arte Alameda aún se puede ver “Rabia” de Oscar Cárdenas, una película simple que nos dice que nada se puede hacer frente a un sistema que funciona bien, estando mal… Camila Sepúlveda (Carola Carrasco) busca trabajo y no encuentra, pasa por las mismas preguntas interminablemente y explota de una forma surrealista que fácilmente se puede transformar en una realidad. Véala. Horarios: 16:30 y 20:45 Sala 2. Vea el trailer Aquí...

El Show de los Discos: Radio Uno se llama la nueva emisora dedicada exclusivamente a música chilena. Usted puede escuchar desde Los Jaivas, Los Prisioneros, La Ley y Gepe, pasando por Makiza, Myriam Hernández, Kudai, Violeta Parra y Rosario Mena sin tags como pop, indie, post folk o electropopsintéticoanarko, es decir una verdadera licuadora de música nacional. Algo refrescante dentro de una sociedad elitista y sectorizada culturalmente y que suma a la idea de La Perla del Dial (1330 AM). Desconéctese de Lastfm por unos minutos y escuche en 97.1 fm.

*El título de este post hace referencia al libro “Error Humano” de Chuck Palahniuk

Es tiempo de Mirageman…

Pasaron meses para que la segunda película de Ernesto Díaz llegara a las salas de cine. Claro, unos pocos pudieron verla durante el 2007 en festivales de cine nacionales e internacionales, logrando el codiciado “premio del público” en algunos de ellos. Ese pasado muy reciente queda en evidencia en esta cinta con micros amarillas que recuerdan algunas frases gubernamentales como "el Transantiago le cambió la cara a la capital” que hoy resultan inverosimiles ante un superhéroe tan, ejem!, realista como Mirageman.
El enmascarado hace poco se presentó en el Festival de Cine de La Habana y hasta recibió un alentador comentario de Harry Knowles (Ain’t It Cool News Aquí) quien luego de su exhibición en el Fantastic Fest de gringolandia señaló que Mirageman es "una de mis películas favoritas de superhéroes de todos los tiempos”. Inclusive Magnolia Pictures (quienes internacionalizaron la cinta coreana The Host) la distribuirá en Estados Unidos.
La dupla Zaror – Díaz ya habían trabajado en “Kiltro”, y aunque tienen símbolos que las conectan, esta vez lo hicieron con menos presupuesto y sin mucho maquillaje, menos pretenciosa puede ser... Claro, las locaciones son las calles que muestran un héroe atípico: no tiene poderes asombrosos, ni siquiera un traje muy parafernalico, sólo es un guardia de seguridad del Passapoga que de un día para otro se transforma en el guardián de una ciudad, en el modelo a seguir de su hermano traumatizado (Ariel Mateluna), en el siguiente peldaño de una periodista farandulera (María Elena Sweet) y en el compañero ideal para Pseudo Robin (Iván Jara).
Pero las cosas no le resultan tan fácil, desde buscar su traje de héroe en las tiendas de ropa usada hasta el trato de “amariconado” que recibe en las calles, las cosas no lo amedrentan para llevar un poco de justicia a un país que necesita una solución: desde “carteristas” hasta las redes de pedofilia. Y es que la película también va creciendo desde la ironía/absurdo y las peleas que sacan risas, hasta la sangre y problemas más profundos (dentro de esta historia por supuesto, hay que ver el contexto que nos presenta y no compararla con películas seudo intelectuales chilensis), sin alejarse un minuto de ser localista.
Mirageman tiene muchas peleas y junto a Kiltro se transforman en “culto” o material freak en una cinematografía local que no puede estar más alejada de las artes marciales y sí muy preocupada por el "cine arte". En ella Zaror sigue siendo el Zaror de Kiltro, es decir no hay mucha actuación pero está bien… el problema es que se supone que “Mane” Sweet es actriz, pero eso se olvida cuando los ciudadanos piden ayuda vía email, pseudo robin ofrece unas motos prestadas y héroe de la máscara azul sale a repartir patadas voladoras.
Pero la demostración de las capacidades físicas de Marko Zaror más los típicos buenos y malos no son suficientes para esta dupla, que con cámara al hombro (y editada en un notebook) presenta una película que incluye traumas, venganzas y un superhéroe si poderes, sin plata y tercermundista, pero con David Bowie (igual que en Kiltro) como parte de su banda sonora. Todo esto la hace LA película chilena para iniciar este año. Imperdible.

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